interviste

10/11/2026 ALESSANDRO SERAVALLE
''Il rock deve evadere dalla gabbia, deve crescere, accogliere il pensiero, diventare adulto...''

FOTO DI ELISA BRUNI

INTERVISTA DI MAUROPROG

Introdurre in poche righe Alessandro Seravalle, artista eclettico e a dir poco originale, che riesce a muoversi con disinvoltura fra musica (come singolo o col fratello Gianpiero in Officina F.lli Seravalle) e letteratura (“poetica torrenziale”) con potenziali (auspicabili) estensioni cinema e teatro seguendo il file rouge di un evidente amore per la filosofia, è praticamente impossibile. Pur partendo da radici progressive rock (fondatore dei Garden Wall), Alessandro Seravalle tende a oltrepassare ogni confine musicale aggirando qualunque tentativo di classificazione. Vista la vastità della sua produzione (consultabile in fondo), legata all’etichetta indipendente Lizard Records diretta da quel Loris Furlan (autore della prefazione del citato libro) che ben conosciamo e che, parallelamente all’artista in questione, ama produrre e valorizzare i più vari generi musicali guardando al loro valore artistico e non certo commerciale, la sua biografia artistica richiederebbe (almeno) un libro, libro che per fortuna è stato scritto da Donato Ruggiero e a cui rimandiamo il lettore (Alessandro Seravalle. L’uomo sperimentale, Independently published, 2025), unitamente all’ intervista che abbiamo fatto all’uscita di Ledrôs (2022) https://www.musicmap.it/interviste/new.asp?id=1089.

Se mi forzassero a indicare un’espressione in grado di sintetizzare Alessandro Seravalle, la prima cosa che mi viene in mente sarebbe “inquieto ricercatore di Verità”, una Verità ricercata attraverso i percorsi artistici che di volta in volta intraprende. Una mèta che per l’Uomo, pur essendone assetato, è pressoché impossibile da raggiungere, ma come ci insegnano intellettuali del calibro di T.S. Eliot, R.L. Stevenson, R.W Emerson, J. Keruac, l’importante non è la destinazione ma il viaggio. E cos’è in ultima analisi la filosofia se non ricerca della Verità? Lo abbiamo già ospitato nel nostro sito in occasione di Ledrôs (2022) e lo riproponiamo ai nostri cybernauti distanza di quattro anni, all’uscita di Quaderni (Lizard Records), un disco che nonostante il suo “impatto shock” (sensazione non certo sorprendente vista la sua produzione “avant-gard oriented”), mi ha inchiodato al lettore CD dall’inizio alla fine. Nel disco, di stampo prevalentemente elettronico, che Seravalle alterna con dischi prevalentemente acustici, l’autore suona tutti gli strumenti, con Marzia Postogna (voce recitante) e GianPietro Seravalle ospite eccezionale nella quinta traccia (grooves elettronici). Ne parleremo, o meglio ce ne parlerà direttamente il compositore.

Ciao Alessandro e bentornato su MusicMap. Avendo indicato i riferimenti per chi volesse approfondire la tua biografia (vedi Intro e di seguito), lascerei da parte ogni preambolo partendo con la mia definizione (?) di “inquieto ricercatore di Verità”. Mi e ti chiedo quanto potresti riconoscerti in questa metafora e, nel caso, se e come questa istanza, tradizionalmente invisa e contrastata dai padroni del vapore, si esprime nelle tue opere… ''Ti rispondo soffermandomi su ogni parola (tralasciando ovviamente la preposizione) che mi proponi. Partiamo quindi da “inquieto”. Non c’è dubbio alcuno che l’inquietudine costituisca, se mi consenti il termine aristotelico, il motore immobile di tutta la mia proposta artistica. Devo tuttavia immediatamente sottolineare che sussistono evidenti e importantissime diversità con il concetto proposto da Aristotele, fra tutte l’idea dello Stagirita di causa finale. La mia posizione su questo punto è talmente antipodale che sto, con gran calma, lavorando a un mio disco in solo intitolato Ateleologica. Il lavoro uscirà, se mai lo farà, tra diversi anni che prima ne ho altri in cantiere (ne parliamo poi). Comunque, tornando all’inquietudine, potrei affermare che questa mancanza di scopo, di fine, di τέλος dell’intero universo (da cui, con alfa privativo, il titolo del mio concept album) è la “sostanza” di cui la mia inquietudine è costituita («il movimento entropico, che si muove sul piano inclinato che dall’essere porta al non-essere, conduce inevitabilmente verso l’assoluto nulla», ammoniva già nel 1876 Philipp Mainländer nel suo Filosofia della redenzione). Insomma, alla fine, se il fine è assente anche la mia arte, la mia musica, come tutto il resto, risulta priva di scopo. Perché proseguire dunque? Non sarebbe più aderente alla mia Weltanschauung la rinuncia, il ritiro, l’astensione totale? Ma perché la componente “tensoriale” dell’ateleologica inquietudine dev’essere depotenziata pena la paralisi generale di ogni attività vitale e, detto tra di noi, sebbene concordi con Emil Cioran circa «l’inconveniente di essere nati», continuo a convenire con “l’amico rumeno” quando confessa, sia pure sottovoce, di amare la vita. Da qui l’elemento auto-terapeutico che da sempre caratterizza il mio modo d’intendere l’arte (la musica nel mio caso). Siccome mi piace giocare con le parole (ma attenzione, il gioco è sommamente serio, anzi, niente di più serio del gioco. Sarò fastidiosamente autoreferenziale segnalando il mio Spielräume del 2017 alle cui note di copertina rimando): non ho usato a caso l’aggettivo “tensoriale” che prendo dal mondo della matematica. Avrei infatti potuto scrivere “tensivo”. La tensione, nel senso meccanico del termine, è una grandezza vettoriale, ha dunque una direzione e un verso ben precisi, tende verso qualcosa in modo univoco. “Tensoriale” mantiene un profilo plurale. L’oggetto matematico “tensore” gestisce e collega più direzioni contemporaneamente, descrive sistemi di forze complessi, intrecciati tra loro. Mi pare più adatto per illustrare l’agitarsi delle forze dell’inquietudine. Prego di cuore i matematici che eventualmente mi stiano leggendo di comprendere che qui siamo nel campo del metaforico e non nello strettamente tecnico e dunque di essere comprensivi e indulgenti. Senza il depotenziamento, il drenaggio, la “depressurizzazione” rischierei di andare in mille pezzi, di esplodere in ogni direzione, non potrei più esercitare lo «scandalo del respiro» (Emil Cioran, of course). Vengo ora a “ricercatore”. Se con l’inquietudine individuiamo il motore (etimologicamente ma anche intuitivamente “ciò che mette in movimento”) e l’ateleologica polidirezionalità in chiave auto-terapeutica del mio agire artistico; la ricerca identifica invece l’asse auto-gnostico di quello stesso percorso espressivo. Se i due collaborino, ossia “lavorino assieme, o se uno sia d’ostacolo all’altro resta da capire. Tradizionalmente al γνῶθι σαυτόν, al ‘conosci te stesso’, viene concessa capacità curativa e tuttavia non sono del tutto convinto che sia davvero così. Cioran, nel suo primo libro, Al culmine della disperazione, è sicuro del contrario: «la formula “conosci te stesso” è la definizione più concisa dello stato di maledizione proprio dell’essere umano». Eppure...ricerchiamo! Come spesso accade l’etimologia apre scenari interessanti al fine (sì, esistono dei fini parziali, intramondani, sebbene a livello universale, globale essi siano assenti) di illuminare, sempre di una luce fioca, la “radura” (gli amanti di Heidegger coglieranno il riferimento). La parola “ricercare” è composta dal prefisso ri - e dal verbo cercare (e fino a qui…). Mi sembra però intrigante notare come all’origine del latino tardo circare ci sia circus, ossia “cerchio”. Insomma il ricercare è un’attività che prevede di muoversi in cerchio ripetendo il movimento per trovare qualcosa o qualcuno. Chi? Ma me stesso naturalmente. La mia musica, i miei suoni sono “sonde” che spedisco al mio interno (il moto è paradossale: dall’interno all’interno, quasi fosse preda delle geometrie impossibili di un Maurits Cornelis Escher) con l’idea appunto di illuminare, seguendo traiettorie spiraleggianti, a cerchi più o meno concentrici, regioni inesplorate di chi sono. Sonde soniche che mi svelano. E questo, così chiudiamo... il cerchio, mi porta alla terza parola: verità (facendo immediatamente notare che la parola greca per verità, ἀλήθεια, ha a che fare proprio con uno “svelamento”, se vogliamo, di nuovo l’alfa privativo, con uno “stato di non nascondimento”). E non è forse vero, a proposito di “sonde”, di esplorazioni interne, di carotaggi psichici, che una delle frasi più celebri di Agostino d’Ippona recita «noli foras ire, in te ipsum redi, in interiore homine habitat veritas». (Non uscire fuori, rientra in te stesso, nell’interiorità dell’uomo abita la verità)? Qui però occorre che io faccia una precisazione che trovo capitale: accetto volentieri la tua espressione che mi descrive purché la parola “verità” perda la lettera maiuscola. Così come non ritengo sussistere fini assoluti ma soltanto fini parziali, relativi, intramondani, allo stesso modo non credo esistere verità assolute, eterne, incondizionate. Via quindi la maiuscola a vantaggio di una più confacente e prudente minuscola. Circa i dettagli dei drammi immani provocati da una concezione assoluta di verità rimando a un qualsivoglia manuale di storia: guerre continue, stragi, massacri, ecatombi, genocidi... insomma, tanto per cambiare, sto con Emil Cioran quando dichiara che «la storia è solo un macello continuo, un susseguirsi di orrori interrotto soltanto da brevi periodi di sfinimento che chiamiamo pace», cui fa eco Arthur Schopenhauer: «se si potessero mettere insieme i dolori, le torture e le miserie che la storia accumula, si vedrebbe che essa non è altro che il diario di bordo di un vascello di folli». E, colpito da un accesso di “voluttà citazionale”, chiudo il cerchio (ormai “sono in fissa col circus”, chiedo venia) di nuovo col filosofo di Raşinari che, in Genealogia del fanatismo, contenuto nel Sommario di decomposizione, sostiene che «il diavolo appare assai scialbo rispetto a colui che dispone di una verità, della sua verità...i veri criminali sono coloro che instaurano un’ortodossia sul piano religioso o politico, che distinguono tra il fedele e lo scismatico. Quando ci si rifiuta di ammettere l’interscambiabilità delle idee scorre il sangue». Se solo riuscissimo a guardarci da una prospettiva cosmologica! Siamo un intorno destro dello zero, eppure ci scanniamo per quisquilie. Ciò che Cioran prospetta è lo scetticismo come possibile antidoto alla smania di massacri. Ancora il Privatdenker romeno (poi la smetto, lo prometto): «lo scettico è l’unico che non farà mai versare il sangue altrui, perché sa che non vale la pena uccidere per un’opinione. Le sue verità sono sempre declinate al plurale» (corsivo mio). Con la mia musica mi pongo alla ricerca in interiore homine delle verità plurali che mi abitano e che sono parte della mia architettura. Tuttavia ho notato che attraverso questo cammino senza fine di autognosi (in entrambe le versioni di genere del termine, senza una fine che «no hay caminos, hay que caminar», il “mio” amatissimo Luigi Nono alle prese con Antonio Machado, e senza un fine assoluto) è possibile distillare qualcosa del segno dell’universale, dell’umano inteso come fenomeno collettivo, posso trovare “simpatia”, nel senso etimologico della parola di un “sentire comune”, riesco, sebbene raramente e solo parzialmente, a “essere d’aiuto” per altre persone, dir loro «non sei solo». Ho divagato...mi capita spesso. Voglio credere che tutto quanto abbiamo detto si rifletta nelle mie opere attraverso l’autenticità, intesa come assenza di secondi fini (di nuovo il τέλος), questo è davvero un punto essenziale per me. Cerco di essere onesto e sincero, ogni opera è una faccia del poliedro che sono, che tutti siamo, esposta nel modo più franco e leale possibile sebbene tutto passi, anzi deva necessariamente passare, attraverso il vaglio del pensiero. Una musica priva di pensiero non può che rivelarsi, nella migliore delle ipotesi, mero intrattenimento, capiamoci, niente di male nell’intrattenimento, ma resta, a mio parere, una manifestazione di rango inferiore. Sfuggo come la peste ogni idea di istintualità pura non supportata dalla riflessione. Poc’anzi ho parlato di poliedro ma forse l’immagine più consona, ammesso e non concesso che si sia capaci di visualizzarla, è quella del policoro, un poliedro a quattro dimensioni che anche il tempo è essenziale. Tra i tanti progetti, di cui più in là farò cenno e che sto pian piano mettendo a punto (se poi vedranno mai la luce resta da vedersi), segnalo un’opera intitolata Ipergeometrie. Nove brani divisi in gruppi di tre (oggetti a due, tre e quattro dimensioni), ognuno legato a un colore e a un aggettivo che dettagli quel colore. Al momento in cui scrivo ne ho realizzati quattro, il primo di questi, a titolo d’esempio, s’intitola Quadrato (rosso primario)''.

Da veterano cultore del Progressive Rock (dicasi “affetto da progressivite cronica recidivante”, una mia definizione adottata dal gergo delle dipendenze), filone dove se ben ricordo affondano le tue radici (l’esperienza dei Garden Wall, band imprescindibile nel panorama neoprog italiano direi, può bastare?) non posso non chiederti quanto, e nel caso come, questo originario “imprinting” sia presente nella tua produzione attuale decisamente rivolta a quella che allora si definiva genericamente “sperimentazione” (da Battiato, agli Area, dagli Henry Cow agli Stormy Six e via di seguito), filone che come ben sappiamo rappresenta un settore, pur se marginale, dello stesso Prog… ''C’è un fil rouge che lega tutto attraverso le trame del tempo che abbiamo appena evocato. Il rock progressivo è il brodo primordiale in cui affondano e da cui traggono nutrimento tutte le mie esperienze artistiche per quanto distanti da esso possano apparire. Il rock progressivo è il fuoco della mia adolescenza turbolenta che ancora brucia, una sorta di energia primigenia mai sopita cui guardo con una certa nostalgia. In questo senso, oltre che orgogliosamente autodidatta, mi dichiaro anche un anti-accademico. Tempo fa il Mo Marco Maria Tosolini, cui sarò sempre riconoscente e a cui mi lega un’amicizia fraterna, ebbe a dirmi: «menomale che non hai fatto il Conservatorio, ti avrebbero rovinato» (Tosolini è stato docente per una vita nei Conservatori di Trieste, Udine, Venezia e Ferrara, suppongo sappia di quel che parla). Vedere oggi il progressive quasi sempre ridotto alla caricatura di se stesso, a una lettura di genere invece che di attitudine, ingabbiato in cliché ormai logori, quasi mai capace, le eccezioni ci sono, poche ma lodevoli, di reinventarsi, di recuperare lo spirito autenticamente progressivo che animò il manipolo di musicisti che lo fondò per altro, e direi ovviamente non essendosi per l’appunto ancora instaurati cliché da seguire, con esiti profondamente diversificati da formazione a formazione, ognuna col proprio suono, con le sue peculiarità, mi riempie di sincero dispiacere. Cos’hanno in comune, ad esempio, i Genesis con i Kluster o Le Orme con i Magma (quattro nomi a caso ma così non risulto troppo filobritannico)? Direi quasi nulla se non, appunto, un’attitudine alla ricerca (di nuovo lei) di un proprio percorso, di uno stile peculiare. Ora invece mi pare (quasi) tutto omogeneizzato. Tornando a me, ormai mi sento maggiormente rappresentato dalle istanze più radicali del mio essere musicista. Nondimeno percepisco la potenza viscerale nello sguardo dell’adolescente che fui che mi guarda, mi fissa e mi sprona. In fondo “radicale” viene da radix, quindi radice e le mie radici pescano appunto nel rock. Ma lasciami spiegare meglio: ho usato questo aggettivo perché da qualche anno sento l’esigenza di un “ritorno al suono” che è, a ben guardare, la radice stessa di ogni esperienza musicale. Con buona pace di coloro che ritengono che l’opera stia nella partitura, i cosiddetti idealisti testuali, un po’ troppo platonicizzanti per il sottoscritto, sono fermamente convinto che l’opera risieda invece nella sua manifestazione fenomenica, nel suono vivente che nasce dalla sua realizzazione nella pratica, sia essa strumentale, vocale, elettronicamente prodotta o quant’altro. Adesso, per la verità già da qualche tempo, il mio focus è nella creazione ex novo, mediante la tecnologia, di suoni che siano soltanto “miei” (microforma) per poi com-porli, ossia “metterli assieme”, in vista della definizione di una macro-forma. La faccenda davvero interessante è il sussistere, nel processo microformale, di una componente di imprevedibilità. Si tratta chiaramente di una imprevedibilità di tipo epistemico (ossia fondata sulla incapacità di prevedere completamente il risultato finale, il lavoro del computer restando invece strettamente deterministico) quindi non “genuina” e tuttavia resta pur sempre imprevedibilità. Ora, è proprio questa imprevedibilità intrinseca alla musica sperimentale a consentirmi il lancio della sonda di auto-gnosi cui facevo poc’anzi riferimento. Il controllo sul suono che, ad esempio, le tecniche di sintesi granulare e spettrale consentono dev’essere coscientemente attenuato, lasciando essere il suono, consentendo all’imponderabile di manifestarsi anche perché, in virtù proprio dell’elemento imprevedibile di cui sopra, esso sarebbe comunque presente, tanto vale esacerbarlo. Naturalmente questo non vuol dire affatto rinunciare alla responsabilità connessa all’atto creativo in toto, è soltanto una “limitata ritirata strategica”, il passo indietro che consente la messa a fuoco in chiave osservativa. In questa direzione vanno anche le mie esperienze con la libera improvvisazione (in particolare con i Klang!, terzo disco, doppio, in uscita per Setola di maiale), nell’incontro con la poesia e la performatività di Gianni Venturi in Qohelet (anche qui, terzo disco in uscita per Zeit Interference/Lizard records) o ancora nell’esperienza che definirei avant-pop di Officina F.lli Seravalle (quinta opera in lenta ma costante lavorazione). E tuttavia mi considero ancora un rocker! Ma il rock deve evadere dalla gabbia, deve crescere, accogliere il pensiero, diventare adulto (non in direzione dell’AOR che aborrisco con tutte le mie forze, per l’amor di dio. È l’unico sottogenere che proprio non riesco a sopportare, un’americanata intollerabile). Basta “come on baby”, machismi esilaranti e pose da veri sfigati per favore! In ogni caso una cosa è sicura: senza gli stimoli che il progressive rock mi diede ormai quasi mezzo secolo fa la mia evoluzione sarebbe stata molto diversa e forse non ci sarebbe nemmeno stata''.

Veniamo a Quaderni. Attratto da una (bella) copertina con sfondo rilassante da cui si dipartono degli intrecci d’inchiostro (della mente?) e scritte che richiamano la indimenticabile penna stilografica, accennavo che non sono riuscito a toglierlo da lettore prima dell’ultima nota. Quanto di più lontano potrebbe esserci da rassicuranti stilemi melodici, il susseguirsi discontinuo di suoni improbabili favorisce l’ingresso interrotto dalla voce femminile recitante, si entra in una strana e misteriosa dimensione, accentuata da inquietanti suoni elettronici, in una dimensione (mentale? Sociale? Entrambe?) dove tutto è possibile ed esula dal nostro controllo. Mi verrebbe da dire proprio come le sensazioni perturbanti (l’ unheimliche freudiano) che spesso si avvertono vivendo in una realtà, quella attuale, distopica al punto che forse neanche lo stesso Orwel avrebbe immaginato, una realtà dominata dalla violenza in ogni sua forma, dalla propaganda, dalla menzogna, dall’arroganza, parallelamente al culto di una digitalizzazione talmente spinta che rischia di far rima con deumanizzazione (a proposito di rock non posso non richiamare l’omonimo disco Dehumanizer dei Black Sabbath, 1992). Intendiamoci nessuna verità in musica, sono le mie impressioni che ti offro come stimolo per parlarci del disco e, viste le tematiche connesse, non solo… ''Allora esordisco anch’io con la copertina. Come per tutti gli altri miei lavori solistici (i due CD a nome Genoma compresi), i dischi di Officina F.lli Seravalle, The seduction of madness e Chimica dei Garden Wall (e anche il prossimo Psicomachie) e il primo album di Qohelet (andrebbe aggiunto il lavoro in duo col polistrumentista modenese Carlo Sebastiano Tedeschi a nome Se.Te dal titolo The book of Job pubblicato esclusivamente su Bandcamp), il quadro di copertina è di mio padre Giovanni “Ninos” Seravalle. In particolare nell’ultima fase della sua parabola pittorica (ora, all’età di ottantotto anni, purtroppo non dipinge più) il “mio vecchio” ha preso a sperimentare in una zona di confine tra il materismo (con l’utilizzo di oggetti di vario tipo, spesso circuiti elettrici a delineare futuristici skyline o paesaggi alieni) ed echi di espressionismo astratto. Contrariamente ad altre opere che sono appese alle pareti, questa di Quaderni è nascosta, assieme a innumerevoli altre, in un armadio dell’autorimessa di casa mia. Non l’avevo nemmeno mai vista a dirla tutta. Io e il mio fraterno amico Fabio Gon abbiamo trovato il quadro lì, praticamente abbandonato (la produzione di mio padre conta circa un centinaio di opere) e non appena ci ho messo gli occhi sopra ho capito che sarebbe stato il quadro giusto proprio per Quaderni. La maggior parte dei dipinti di mio padre presentano tonalità cupe (sarà un fatto di famiglia, forse per questo sono così adatti a raffigurare la mia musica), l’utilizzo del bianco che domina quest’opera è un evento più unico che raro. Non saprei fornirti una ragione razionalmente plausibile ma Quaderni è un disco “bianco”. Questo non vuol dire in alcun modo che non sia presente una componente “dolorosa”, tutt’altro, basti dire che la prima volta che ho riascoltato il brano di apertura, Bambino, sono scoppiato a piangere a dirotto, ero in macchina non lontano da casa e ho dovuto fermarmi sul ciglio della strada. Tutte le scritte presenti nel libretto sono eseguite a mano dal sottoscritto (è un quaderno, giusto?), con il vetro della finestra della camera da letto a fare da scrivania (con dietro un foglio a righe, suggerimento di mia moglie Elisa che fa la maestra in una scuola primaria e questi trucchetti li conosce tutti) e ricalcano il tipo di grafia che utilizzavo da adolescente quando scrivevo i titoli sulle audiocassette (l’amico di una vita Dario Brumat era una miniera di capolavori psych e prog, come non approfittarne?). D’ora in avanti tutti i miei dischi solistici condivideranno questa caratteristica. La genesi del lavoro è da ricercarsi nell’ospitata che feci presso la sede Rai per il Friuli Venezia Giulia di Trieste nel programma radiofonico ideato e condotto dal Mo Marco Maria Tosolini La voce di Calliope – dodici incontri con poeti apocalittici e integrati. La puntata che mi vide ospite portava il titolo di Alessandro Seravalle – Ledrôs, musica e poesia rovesciate. Sta di fatto che mi ritrovo sine dubio nella prima categoria di “poeti” (la musica è certamente una forma di ποίησις). Lì, tra brani miei, dei Garden Wall e di Officina F.lli Seravalle (era uscito da poco proprio Ledrôs, “rovescio” in friulano, quarto capitolo della nostra discografia), una bravissima attrice, Marzia Postogna, lesse alcuni miei scritti. Quando, a distanza di alcuni mesi, ascoltai il podcast del programma capii che dovevo dare vita musicale a qualcosa che integrasse la voce di Marzia (che è presente in cinque brani su sette). Il titolo del disco fa riferimento alla frammentarietà zibaldonesca dei testi che spaziano dalla confessione intima alla riflessione filosofica e, al contempo, richiama i Quaderni di Emil Cioran ai quali sono solito alludere con l’appellativo, invero un po’ sacrilego, di “la Bibbia” (non me ne vogliano i credenti). Contrariamente a quanto potrebbe sembrare in questo lavoro c’è moltissima chitarra, certo, si tratta di una chitarra trasfigurata, resa sovente irriconoscibile dall’utilizzo estremo dell’effettistica. I brani alternano momenti ferreamente determinati sotto il profilo compositivo (il polo esssendo Io?) a libere improvvisazioni (e qui il polo opposto è rappresentato da Skepsis) e a tutto ciò che si situa nel volume compreso tra questi due poli attrattivi spesso comunque con uno sbilanciamento per il primo. Ma poi, davvero è possibile tracciare una linea netta di confine (limes) tra composizione e improvvisazione? Non lo credo. Immagino piuttosto qualcosa del segno di un confine facilmente valicabile, qualcosa di poroso, che consenta il contatto, lo scambio, l’osmosi e la diffusione (limen). Il tuo rimando all’Unheimliche freudiano è quanto mai azzeccato. Il “perturbante”, lo “spaesante”, come viene solitamente tradotta l’espressione tedesca (a proposito, la traccia che chiude Silenzioso, il mio disco in solo sotto il moniker Genoma s’intitola appunto Unheimlich), è un’istanza che ricerco costantemente proprio nell’ottica di sfruttarne la capacità “rischiaranti” di territori inesplorati di me stesso, il potere auto-gnostico di cui precedentemente discettavo. Si tratta però di un’illuminazione da “luce nera” in cui alienità e famigliarità si scontrano e si fondono l’una nell’altra perdendo le rispettive identità. L’Unheimliche, con quel prefisso un- che in lingua tedesca altro non è che il corrispettivo dell’alfa privativo greco, e il suo riferimento alla casa (Heim), e dunque a un “luogo proprio”, è insomma la negazione dell’essere a casa che però contestualmente ne mantiene un’eco, un’impronta, e perciò scatena l’angosciante potenza abissale che è tipica di questa “condizione di mezzo”. Proprio questa potenza mi serve per, passami l’espressione, “riportare a casa” parti di me, letteralmente di conoscerle e quindi di spostarle dal lato della famigliarità “alienandole dall’alienità”, annullandone l’estraneità. L’effetto fenomenologico di questa operazione è l’emersione di sonorità segnate da quell’inquietante di cui prima dicevamo. Altra brevissima digressione: il tema del doppio è tra quelli individuati da Freud come capaci di attivare la specifica angoscia dell’Unheimliche. Ebbene con Officina F.lli Seravalle abbiamo realizzato, su Blecs (“rattoppi” in friulano) del 2021, un brano dal titolo Doppelgänger. Per quanto riguarda la situazione socio-politica non nutro grosse illusioni, probabilmente siamo davvero arrivati a quel, per rimanere in ambito tedesco, Untergang des Abendlandes (tramonto dell’Occidente) preconizzato da Oswald Spengler (nell’omonimo testo del 1918!). Capiamoci, il tramonto non è di per sé un momento necessariamente terribile, tutt’altro. Il tramonto può essere foriero di bellezza e di poesia. Ma in tutta franchezza non mi pare che le cose stiano muovendosi in quella direzione. In ogni caso Quaderni è un’opera molto personale e intima, altri sono i dischi dichiaratamente “politici” in cui sono coinvolto: spesso è fortemente politico l’approccio di Officina F.lli Seravalle, Qohelet è un progetto certamente permeato di istanze socio-politiche e citerei anche i James Frederick Willets (con me mio fratello Gian Pietro, Andrea Massaria e il filosofo Raoul Kirchmayr che non lascia scampo con le sue requisitorie). Che poi, a ben guardare, come dare torto a Thomas Mann quando afferma che «tutto è politica»? La scelta così radicale (sì, lo faccio apposta) di sonorità impregnate di Unheimliche, sature d’inquietante e dunque assolutamente estranee a un mercato a sua volta pervaso solo di rassicurazioni, lustrini e lobotomie gentili («natiche abbronzate, pizza, balli, aperitivi» declama Gianni Venturi ne Il bipede eretto, primo brano del disco d’esordio di Qohelet) non costituisce forse una precisa presa di posizione politica? L’idea che la musica stia in qualche sorta d’intoccabile iperuranio che tanti musicisti sembrano sostenere mi sembra come minimo ingenua. In fondo uno come Luigi Nono (certo lui era “estremo”, talvolta fin troppo) cosa ci insegna se non che un musicista che si dichiari agnostico o estraneo alla realtà in cui vive, o che si rifugi in una presunta purezza dell’arte, compie per ciò stesso una presa di posizione e una scelta ideologica ben precisa, sia pure inconsapevolmente? È evidente che un Karlheinz Stockhausen (che adoro quanto amo Nono), con cui il compositore italiano ebbe furibonde discussioni, si situa agli antipodi. Tuttavia ritengo che, almeno su questo punto e sic stantibus rebus in questo difficile momento storico, la posizione del veneziano sia da privilegiare nonostante appunto certe sue rigidità ideologiche. A questo proposito in questi giorni sto valutando se dedicare il mio prossimo lavoro dal titolo Hőrbildung, espressione utilizzata proprio dal musicista tedesco, a entrambi. Il disco è attualmente in fase di missaggio e mastering presso lo studio GPS da parte di mio fratello. Si tratta di un concept concettuale (per distinguerlo da uno “narrativo”, tutti i dischi a mio nome lo sono) incentrato sulla necessità di una “formazione dell’ascolto”. Ascoltare infatti è ben diverso da sentire. L’ascolto va formato, educato, costruito laddove il sentire è semplicemente una capacità percettiva “neutra”. Stockhausen riteneva necessario lo sviluppo di nuove forme di percezione allo scopo di generare una qualche forma di evoluzione spirituale (e, in fondo, questo poi avrebbe risvolti socio-politici, quindi forse le posizioni di Stockhausen stesso e di Nono non erano poi così inconciliabili). Così il compositore nato a Mődrath: «nuovi mezzi cambiano il metodo; nuovi metodi cambiano l’esperienza e nuove esperienze cambiano l’uomo», e ancora «ogni volta che ascoltiamo dei suoni veniamo cambiati, non siamo più gli stessi dopo aver ascoltato determinati suoni, e questo è ancora più vero quando ascoltiamo suoni organizzati, suoni organizzati da un altro essere umano: la musica». Il disco, che uscirà per Zeit Interference/Lizard records (grazie di cuore Loris per il sostegno!) nel 2027, sarà costituito da una suite di oltre un’ora di musica elettronica, con qualche inserto di strumenti reali, suddivisa in nove parti: Anybody listening? – Tua res agitur – Décontitionnement (Pierre Schaeffer) – Decolonizzazione Aurale (Ivan Illich) – Hőren ist wehrlos ohne Hőren (Helmut Lachenmann) – Apertura – Risvegliare l’orecchio (Luigi Nono) – Audiogonia – Human Existence. Ci saranno delle citazioni nel libretto tra cui quella qui sopra riportata di Stockhausen e sicuramente anche questa di Italo Calvino: «Il mio orecchio teso accoglie quei suoni all’arrivo: diversi da come erano partiti. Sono i suoni con in più l’ascolto dei suoni». La mia doppia dedica vorrebbe avere il senso, un’esigenza ben inteso soltanto mia visto l’amore che nutro per tutti due, di riappacificarli. In fondo furono molto amici prima di scontrarsi. Ma, come al solito, ho divagato…''.

Fermo restando l’imprevedibilità del futuro e l’importanza della dimensione de qui ed ora, l’unica in cui viviamo, anche se la nostra mente essendo per sua natura assai instabile e irrequieta (sto pensando alla metafora della “mente scimmia” kapi-citta in sanscrito, descritta dall’Induismo e dal Buddismo) ci proietta continuamente nel passato e nel futuro, quale/i prossimo /i viaggio/artistico/i possiamo attenderci? ''Allora... se tu e i cortesi lettori avete ancora un’oretta... cercherò di essere più sintetico possibile poiché le cose che ho in mente sono davvero innumerevoli. Di Hőrbildung ho testé detto. Seguiamo per ora le tracce dei miei lavori solistici (dirò successivamente di altre cose all’orizzonte, alcune imminenti): l’idea è di pubblicare un disco all’anno per i prossimi... dodici anni! Alcuni di questi necessitano soltanto delle fasi finali di produzione (missaggio e mastering che continuerò ad affidare a mio fratello Gian Pietro) essendo già interamente composti, altri sono ancora in una fase embrionale più o meno avanzata. Molto rapidamente: Hőrbildung dovrebbe uscire nel 2027 (il condizionale è sempre d’obbligo che nessuno sa cosa gli riservi il futuro), per il 2028 dovrebbe invece vedere la luce Cuarps (“corpi” in lingua friulana), un concept tutto incentrato sull’elaborazione elettronica di suoni corporali quali risate, respiri, orgasmi (rigorosamente femminili che certi grugniti del mio sesso m’infastidiscono), battiti cardiaci... i brani hanno dei titoli che rimandano al mondo della musica colta (ad esempio il primo s’intitola Variazioni su femminei sospiri, il secondo Sestetto cardiaco e così via fino al quinto e ultimo Concerto pauroso). Il 2029 sarà l’anno di Puests (“posti” in friulano), un lavoro dedicato a luoghi cui sono particolarmente affezionato, in questo caso i titoli delle composizioni sono le coordinate geografiche delle località in questione (ad esempio 45°49’23” N 13°20’06” E sono le coordinate di Cervignano del Friuli). Per il 2030 avrei in programma Ri-tratti (titolo suggeritomi da Loris Furlan che tengo costantemente aggiornato), sei “dediche aurali” a persone care più un intro e un outro (ne avrei volute molte altre ma sarebbe diventato un quintuplo probabilmente). Nel 2031? La voce delle cose, un’opera elettronica realizzata integralmente mediante la manipolazione di suoni prodotti da “cose” (non “oggetti” secondo l’illuminante distinzione tracciata da Remo Bodei) presenti in casa, cose che abbiano una profonda valenza emotiva per me. Ad Ateleologica (2032) ho accennato nella prima risposta. L’anno successivo avrei pianificato la pubblicazione di Fonosintesi, un concept che insegue un improbabile parallelismo tra il mondo del suono e quello degli alberi che considero esseri di gran lunga superiori a noi, basti dire che sono autotrofi e possiedono dai quindici ai venti sensi. Quella che ho chiamato concezione arborea (sarà il titolo di una suite in quattro parti che aprirà l’opera) crea una connessione tra varie istanze (ctonio – celeste; caos – cosmo; memoria – futuro; emozione – razionalità). Tutti i lavori di cui ho raccontato fin qui sono già pronti (al netto, appunto di missaggio e mastering). Quelli in fase embrionale invece sono: Espansione domestica che riprende l’idea de La voce delle cose ma la porta “in strada”, in una sorta di “casa allargata”, appunto “espansa” alle strade che ho vissuto e vivo (suoni di guard-rail, segnali stradali, lampioni, tralicci, ringhiere, ponti...sempre, come per le altre opere, drasticamente rielaborati che il naturalismo poco m’interessa); una sempre desiderata e sempre procrastinata Ode a Emil (il riferimento, ça va sans dire, è Cioran, il mio faro filosofico... quattro i brani già più o meno pronti); anche a Ipergeometrie ho già accennato più sopra; Polifonia interstiziale è invece un lavoro incentrato sul concetto rilkiano di zwischen Dasein (qualcosa che si potrebbe tradurre con “esistenza intermedia”) in cui vengono convocati, oltre naturalmente a Rilke stesso, Fernando Pessoa (composizione dal titolo Somos dois abismos divisa in due sezione pronta), Blaise Pascal, Emil Cioran (che strano!), Samuel Backett, Karl Jaspers, Paul Celan (pure il “suo” pezzo, Atemkristall, è allestito) e... Chat GPT. Il mio intento di partenza era di scrivere un saggio ma sono troppo pigro... magari quando sarò in pensione, cioè mai, a corredo del disco. Ultima idea che mi ha invaso il cerebro (in teoria in uscita nel 2038!) è Musica liminis riguardo a cui ti offro la citazione che ha messo in moto il cerebro di cui sopra: «il confine è il luogo propriamente fecondo della conoscenza» (Paul Tillich). Due, su sei previsti, i brani già creati che vanno a esplorare alcune situazioni “liminali” (nel caso dei due brani in questione Ipnagogica (porosità) si occupa dello stato di confine tra veglia e sonno e Antropologica (rituali) dei riti di passaggio in cui una persona non è più ciò che era prima e non ancora ciò che sarà). Avrei davvero potuto dilungarmi molto (e forse l’ho fatto) ma poi è sopraggiunta la pietà verso il lettore. Ma non è finita; veniamo all’imminente: Apocalisse del marketing, il terzo lavoro di Qohelet, il duo animico con Gianni Venturi è in rampa di lancio, Loris Furlan mi dice che nei primi giorni del prossimo anno potrebbe decollare. È un disco ostico, aggressivo e potentissimo, un’opera che richiede una... Hőrbildung! Molto presto, auspicabilmente entro la fine dell’anno, uscirà il terzo capitolo di Klang!, progetto di libera improvvisazione allargatosi ora a quartetto con l’ingresso del pianista Giorgio Pacorig ad affiancare lo scrivente all’elettronica, Andrea Massaria alla chitarra ed effetti e Stefano Giust alla batteria e oggetti. L’album, doppio, s’intitolerà Tetrafonie per la fine dello spazio-tempo, tutti i brani saranno denominati da formule matematiche inerenti la cosiddetta teoria del Big Rip e sarà davvero qualcosa di abbastanza inaudito. Il ritorno dei Garden Wall dovrebbe concretizzarsi (mai come in questo caso il condizionale è d’obbligo visto che se ne parla dal 2012!) con Psicomachie proprio nel 2027 se non altro per festeggiare adeguatamente il trentennale di Chimica. Il materiale, come detto, risale al 2012 ma mi sembra ancora fresco ed efficace. Anche Officina F.lli Seravalle, ne ho fatto prima menzione, uscirà il prossimo anno col quinto CD che potrebbe intitolarsi Mai massa viart, “mai troppo aperto” proseguendo con la tradizione dei titoli in friulano. Quadro di copertina di mio padre individuato (stava anche quello “nascosto”, questa volta a Lignano), il disco conterà sulla presenza di svariati ospiti di notevole livello artistico. Con ogni probabilità il 2027 sarà anche l’anno della riapparizione sulla scena de Il Testamento degli Arcadi, abbiamo già un po’ di materiale pronto. Last but not least per il 2027 l’esordio di un duo formato dal sottoscritto all’elettronica e ai sintetizzatori e dallo straordinario chitarrista fiorentino Frank Pilato (per altro integrato nei Garden Wall). Il progetto prende il nome dalla prima sezione del Pierrot Lunaire (un chiaro riferimento all’amore che entrambi nutriamo per certa musica novecentesca): Mondestrunken. Tutte le composizioni saranno intitolate con citazioni dal poema di Albert Giraud con in “esergo” questa citazione di Fernando Pessoa: «e il chiarore della luna sembra illuminare algidamente tutto il mistero del mondo». Un salto nel 2028 quando vorrei realizzare (le mie parti sono già concepite) Soffio dagli scaffali del progetto Resonant Dust. Trattasi di me con in ogni singola traccia un ospite e uno strumento diverso. Le otto composizioni sono dedicate ognuna a un personaggio letterario legato al mondo della musica, dall’Adrian Leverkűhn di Thomas Mann al Wertheimer di Thomas Berhard passando per il proustiano Vinteuil e via di questo passo. Al musicista ospite viene fornita una breve descrizione del personaggio che dovrà insieme a me tratteggiare e una citazione tratta dal libro da cui il personaggio proviene, ho già diverse “adesioni” alla faccenda. Segnalo, per chiudere, anche la recente formazione di un trio, Pozor Otroci (“attenzione bambini” in lingua slovena), con il batterista Alan Liberale e il trombettista Zeno Tami dove, oltre a tornare a mettere le mani su un basso elettrico dopo tempo immemorabile, esploro le sonorità, per così dire, più “friendly” dell’elettronica (virgolette d’obbligo). Al momento c’incontriamo un paio di volte al mese in quel di Stregna, nella Valli del Natisone (vivo da qualche tempo a San Leonardo con mia moglie Elisa), e ci divertiamo un sacco. Poi se son rose fioriranno (Loris Furlan è già stato allertato e quel che ha sentito gli è piaciuto). Direi che può bastare, che dici?''.

Bene Alessandro. Grazie per essere tornato a trovarci. Come mio solito lascio a te la parola per rivolerti e congedarti dai nostri cybernauti... ''Come faccio ormai di prassi, un appello: siate curiosi, continuate a formare il vostro ascolto, decondizionate l’orecchio, rifuggite l’ovvio e il rassicurante. Ascoltate forse le stesse cose che ascoltavate quando avevate cinque anni? Credo di no. Perché fermarsi ai sedici o ai venti dunque? Certo, la musica dell’adolescenza costituisce un imprinting potentissimo e di certo nemmeno io ho smesso, ne ho intenzione di smettere di ascoltare i Gentle Giant o i Van Der Graaf Generator ma cerco costantemente stimoli nuovi, suoni inauditi, sollecitazioni aurali che mi permettano di progredire (il grassetto è un ovvio riferirsi a qualcosa che conosciamo tutti e da cui tutti veniamo se mi state leggendo), di evolvere, di mutare. Esplorate e andate alla ricerca dell’autentico, anche di quello che vi sembra incomprensibile. La comprensione richiede esercizio (di nuovo, a un bambino di cinque anni i King Crimson suonano incomprensibili ma poi…), applicazione, costante e infinita Hőrbildung. Cercare la rassicurazione nelle mille variazioni del già ascoltato, del già esperito produce inevitabilmente stasi, sclerosi; arresta, ricordate Stockhausen, l’evoluzione spirituale (qualunque significato si voglia dare a questo abusato termine, mi astengo dall’esporre la mia posizione che mi avete sopportato più che abbastanza, dico solo una parola: emergentismo) e, detto tra di noi, rompe pure i coglioni dopo un po’. Vi abbraccio tutti e vi ringrazio di cuore di avermi letto''.

Produzioni

DISCOGRAFIA:

GARDEN WALL
Principium (Wmms, 1993)
Path of Dreams (Wmms, 1994)
The seduction of madness (Wmms, 1995)
Chimica (Wmms, 1997)
Forget the Colours (Mellow records, 2001)
Towards the Silence (Mellow records, 2004)
Alien(a)ction (Mellow records, 2007)
Assurdo (Lizard records, 2011)

ALESSANDRO SERAVALLE
Morfocreazioni I-V (Setola di maiale, 2016)
Spielräume (Zeit interference, 2017)
La danza di Entropia (Agenda edizioni-Zeit Interference, 2025)
Quaderni (Zeit Interference, 2026)

GENOMA
λόγος (Ma.Ra.Cash records, 2010)
Silenzioso (Zeit interference, 2014)

OFFICINA F.LLI SERAVALLE
Ûs frais cros fris fics secs (Zeit interference, 2018)
Tajs (Zeit interference, 2019)
Blecs (Zeit Interference, 2021)
Ledrôs (Zeit Intertference, 2022)

QOHELET
Qohelet (Zeit Interference, 2020)
Il cantico dei cantici (Zeit Interference, 2025)

IL TESTAMENTO DEGLI ARCADI
Il testamento degli arcadi (Lizard records, 2021)

KLANG!
Catastrofe del vuoto elettrodebole (Setola di maiale, 2024)
Scarto! (Setola di maiale, 2025)

SCHWINGUNGEN 77 ENTERTAINMENT
Act I: notes in freedom (Setola di maiale, 2013)

JAMES FREDERICK WILLETTS
James Frederick Willetts (Setola di maiale, 2017)

AUTOSTOPPISTI DEL MAGICO SENTIERO
Erasmus a Kiev (New model Label, 2022)
Narci Scisma (New Model Label. 2024)

SETE
The book of job (Bandcamp, 2016)

LA TARTARUGA VOLANTE
Notturno spaziale per un mondo che non fu mai – Cd 1 e 2 (Bandcamp, 2026)

BURNIN’ DOLLS
Surgical demo (demo cd, 2002)
Courage and fear (demo cd, 2006)

JACKHAMMER
The ultimate Martyr (demo cd, 2003)

REGISTRAZIONI IN QUALITÀ DI OSPITE:
Blind Mirror – Abovethestars (2001, demo cd)
Iconoclast – s/t (2002, demo cd)
Karnak - Laboratorium (2004, demo cd)
Pathosray - Same (Sensory records, 2007)
Il fauno di marmo - Canti, Racconti e battaglie (Andromeda relics, 2013)
NichelOdeon/InSonar - Ukiyoe (Snowdonia, 2014)
Massa Sonora concentrata - Boe (Setola di maiale, 2015)
Paolo Volpato Group - Contro (Lizard records, 2020)
Paolo Volpato Group – Metronoise (Lizard records, 2024)
Autostoppisti del magico sentiero - Pasolini e la peste (New model label, 2021)
Visionoir – The second coming (Revalve records, 2021)

BIBLIOGRAFIA:
Cioran e Buddha: una fruttuosa impossibilità (The writer edizioni, 2021)
Cioran verso una parola inzuppata di silenzio (The Writer edizioni, 2023)
Donato Ruggiero (a cura di) Alessandro Seravalle – L’uomo sperimentale (2025)